Andrea Palladio, el gran arquitecto del Renacimiento

Andrea di Pietro della Góndola, más conocido como Andrea Palladio, comenzó su vida en Padua en el año 1508, y la terminó en Vicenza, setenta y dos años después.

Palladio, que se convertiría finalmente en uno de los más grandes arquitectos del Renacimiento, era hijo de un molinero. Comenzó su formación a la edad de 13 años, como cantero, en el taller del arquitecto y maestro cantero Bartolomeo Cavazza da Sosano. El año 1524 se va a Vicenza, donde es admitido en el taller de Giovanni di Giacomo da Porlezza y donde alcanzó el cargo de oficial de dicho taller pasados diez años de su ingreso.

A principios de 1538 la vida de este personaje cambió, al conocer al conde Giangiorgio Trissino, a través del cual pudo relacionarse con los personajes más notables de la ciudad y completar su formación. Trissino fue quien le bautizó con el pseudónimo de Palladio, como derivación de Palas Atenea, diosa griega protectora de las artes.

El día 26 de agosto de 1540, Andrea Palladio recibe el título de Arquitecto. Publicó, además, algunos escritos, como L'Antichità di Roma (1554), basado en sus viajes a dicha ciudad entre 1541 y 1545, y el famoso tratado I Quattro Libri dell'Architettura (1570). El año 1554 funda la Academia Olimpica en Vicenza.

La primera gran obra que se atribuye al arquitecto es la Villa Trissino en Cricoli (Vicenza), encargo de su mentor Giangiorgio Trissino, quien es probable que se encargase del diseño. En muchas de sus villas emplea modelos basados en la organización de los templos clásicos, cosa que era una novedad en la época. Así pues, el estilo que acabó cultivando Andrea Palladio resultó ser muy clasicista, convirtiéndose en el favorito de las familias de la clase alta de Vicenza, para las que acabó construyendo gran número de villas y palacios.

De entre sus obras, podrían destacarse la Villa Emo (1558), la Villa Capra, conocida más popularmente como La Rotonda (1566), o la iglesia de Il Redentore de Venecia (1577). Sus últimas aportaciones fueron el Teatro Olímpico y la capilla de la familia Babaro en Maser (Treviso).

En el CaixaForum de Barcelona se puede visitar, hasta el 6 de Septiembre, una exposición dedicada al arquitecto renacentista, donde podréis ver impresionantes maquetas de sus obras, además de dibujos, bocetos y alguna que otra cosa más. Muy recomendada.

Pina Bausch

El pasado martes 30 de junio falleció Pina Bausch, bailarina, coreógrafa y profesora de danza alemana, a la vez que una de las más grandes figuras de la danza internacional contemporánea.

Philipphine Bausch empezó con la danza tarde, a los quince años, pero con unas condiciones físicas marcadas por su agilidad y flexibilidad. Desde niña se dedicó a "bailar sus sentimientos", prefería expresarse a través de los movimientos más que con palabras. Su maestro fue uno de los iconos de la danza del siglo XX, Kurt Jooss, quien enseñó a Pina a bailar y a pensar. Gracias a una beca pudo estudiar en la Julliard School, en Nueva York, donde tuvo entre otros profesores a Marta Graham, cuya obra influenció posteriormente a la alemana.

Sus coreografías han sido a menudo consideradas "revolucionarias", y se caracterizan principalmente por no dejar indiferente a su público. Las obras de Pina no siguen una estructura narrativa ni una progresión lineal, sino que más bien están construidas a partir de una serie de episodios. Múltiples acciones escénicas simultáneas, imágenes impactantes, uso de las experiencias específicas de sus bailarines, de acciones cotidianas, de textos dirigidos al público, una gran variedad de músicas... estos son algunos de los elementos que caracterizan los trabajos de Bausch y que han pasado a formar parte de un léxico de la danza-teatro en Europa.

"Al finalizar la década de los 60, Pina Bausch obtiene cada vez más reconocimiento como coreógrafa. La compleja relación entre hombres y mujeres es un tema reiterativo de sus piezas. Su destreza radica en mostrar las debilidades de ambos géneros como víctimas y victimarios. Ya sus primeras coreografías, aún las más tradicionales, basadas en grandes textos de la literatura mundial o piezas musicales, dejan entrever que algo nuevo estaba surgiendo. La artista expresaba los temas existenciales, como la vida y la muerte, a través de imágenes visionarias y de una fuerza arcaica inusual para la época. A partir de ese momento dejó de contar una historia para contar varias historias pequeñas sobre el amor y la ternura, la soledad y el poder. Durante toda su carrera, Pina se atrevió a ir más allá de las convenciones fijadas. En 1969, luego de haber ganado el primer premio en el concurso coreográfico de Colonia, asume la dirección del Estudio de Danza Folkwang y comienza su trabajo docente en la Escuela Superior Folwkang." (por Vicky Larrain)

Desde el año 1973, Bausch dirige su propia compañía, el Tanztheater Wuppertal, que se convirtió en sinónimo de excelencia para el teatro-danza en el mundo. En 2008 recibió el Premio Goethe y un año después nos ha dejado repentinamente a causa de un cáncer, a los 68 años de edad.

Entre sus creaciones destacan títulos como Ifigenia en Táuride (1975), Consagración de la primavera (1975), Café Müller (1978), Nelken (1982) i Palermo Palermo (1989), entre muchos otros.

Arte Contemporáneo en China

Zhou Fan es una estrella emergente, uno de los tres mejores artistas chinos contemporáneos.

El primer golpe que uno recibe al ver el trabajo de Zhou Fan es la cantidad de color y de detalles. Dice el autor que pinta con tantos colores porque su tema principal, la medusa, es de por sí muy colorida y porque para él, su mayor prioridad es hacer que el “Efecto Visual” de su obra resulte atractivo.


La mayor inspiración de Zhou Fan es su niñez, de ahí le viene su “amor” por las medusas y una de sus series, inspirada en un sueño que tuvo de niño. En el sueño “había muchas medusas flotando en el cielo y algunas cayeron al suelo en paracaídas y se convirtieron en setas”. Esta clase de sueños marcaron mucho al artista quién los considera su particular extensión de la realidad.

Otra de sus series, la del “niño gordo”, también inspirada en una experiencia de su niñez, pretende poner de manifiesto la presión social que una China cambiante ejerce sobre los seres humanos. Las pinturas de Zhou Fan pueden parecer felices al principio por la profusión de color y de forma, pero la mayoría reflejan el tono triste con que el artista ve la sociedad. el autor se sensibiliza con el hecho de que la gente pueda ser cruel y destructiva.


Zhou Fan dice que se ha inspirado en pinturas de la Dinastía Qing en lo referente a la combinación de elementos que no tienen nada que ver entre í pero que generan un ambiente. Al principio sorprende que esos motivos hayan sido colocados unos al lado de otros, pero a medida que uno va observando, se da cuenta de que están tan harmoniosamente colocados que parecen encajar. Esto también es un reflejo de la multiculturalidad que hoy día asedia China.

A Zhou Fan le gusta combinar lo imposible mientras tenga sentido sobre el lienzo, el resultado puede ser confuso y parecer caótico.

Art brings life back

"Art does not imitate life. Art is much more powerful than that. Art brings life back. And it does it by exposing the secrets we all carry inside."

José Raúl Bernardo

El nuevo Museo Magritte

Queda apenas un mes para que se inaugure el nuevo Museo Magritte, tras diez años de trabajo. Dicho museo se encuentra en Bruselas (Bélgica), en pleno corazón de la ciudad, en la Place Royale.  El edificio, que abrirá sus puertas el día 2 de junio, ocupa la mansión neoclásica de Altenloh y albergará la mayor colección del mundo de uno de los más grandes y conocidos surrealistas que han existido, René Magritte (1898 - 1967). En las diferentes salas del museo se podrán ver 200 obras excepcionales, entre las que se encuentran algunas de sus más famosas, como es el caso de la pintura El reino de las luces. Podrá verse además un extenso fondo de archivos, fotografías, películas rodadas por el propio Magritte, cartas, carteles y dibujos, además de piezas únicas, prestadas por grandes coleccionistas privados. 

La visita empieza en el tercer piso, con los primeros cuadros de Magritte y los descubrimientos sobre los que se asienta su quehacer político. En esta zona pueden verse ya algunas obras importantes como El matrimonio de medianoche. En el siguiente nivel se encuentran las obras menos conocidas del pintor belga. Por último, en la primera planta están las etapas esenciales de la vida de René y sus grandes obras maestras, entre las que destacan títulos como El imperio de las luces, La búsqueda de la verdad y El dominio de Arnheim. 

Es conveniente echar una ojeada a la fachada del museo, en la que unas pantallas revelan un cielo estriado de nubes, que no es otro que el cielo de Magritte. Con este nuevo edificio, Bruselas rinde pues homenaje a uno de los pintores más importantes del siglo XX, que realizó casi el total de sus obras en esta misma ciudad. 

La última cena

La última cena, Leonardo da Vinci (1495-1498)

"Este espectacular mural se ha considerado durante siglos como una de las mejores pinturas del mundo, quizá la máxima expresión de su creador, Leonardo da Vinci (1452-1519), cuya trascendencia en el Renacimiento italiano fue de primerísimo orden. La genialidad de Leonardo reside en una mezcla de curisodad e inventiva que se extendió a las artes y las ciencias. La última cena es la síntesis perfecta de su talento. Situada y concebida con inteligencia, la obra domina desde las alturas la pared norte del refectorio del convento de Santa Maria delle Grazie (Milán). Cada vez que las monjas se sentaban a comer, Cristo y sus doce discípulos irradiaban su presencia espiritual hacia las piadosas comensales de debajo. Leonardo subraya sutilmente el rango de Cristo dentro del grupo, confiriendo a su figura un tamaño ligeramente mayor y recortándola en la luz de la ventana. Al mismo tiempo infunde dramatismo a la escena eligiendo el momento en el que los discípulos preguntan a Cristo cual de ellos lo traicionará. A cada discípulo se le atribuye una reacción reveladora de su personalidad, sin recurrir al simbolismo que tanto practicaban los pintores de la época. 

Leonardo pintó el mural con una técnica que le permitía trabajarlo como un todo, en vez de tener que ir acabando cada parte, como era norma en el fresco tradicional. Por desgracia, la obra empezó a deteriorarse muy pronto porque la técnica era menos duradera. Su audacia de experimentar, junto a sus innovaciones en la composición, la luz y la perspectiva, explican -entre muchas otras cosas- la preeminencia de Leonardo da Vinci, que ha perdurado a través de los siglos."

Crucifixiones

Puesto que estamos en Semana Santa, creo que hablar de las crucifixiones es bastante acertado. Se trata de uno de los momentos centrales y más importantes de la vida de Cristo, la redención de la humanidad. El sacrificio de Jesucristo aseguró la vida eterna a los hombres, reconciliando a éstos con Dios. La muerte de Jesús en la cruz ha expiado todos los pecados, y todo aquel que acepte dicho sacrificio podrá llegar a Dios. 

Hay muchas formas de representar una crucifixión, pero básicamente pueden dividirse en dos grupos. Por un lado el Cristo que sufre, que sangra, que muestra dolor en su rostro. Éste suele estar clavado en la cruz con tres clavos, cosa que hace que se retuerzan sus piernas, haciendo aumentar así el desequilibrio y sufrimiento. Un ejemplo de este tipo de crucifixión cargada de dolor y angustia es la del Retablo de Isenheim, de Matthias Grünewald. En el panel central el pintor da su visión tétrica de la crucifixión. La expresividad de esta obra es absoluta. El cuerpo de Cristo está lacerado y sangriento; sus pies están retorcidos a causa de sujetarse ambos con un único clavo, y las manos se ven aún vivas. La figura principal se encuentra rodeada por san Juan Bautista, María Magdalena y la Virgen, que cae angustiada en brazos de san Juan Evangelista. Esta crucifixión tenía la función de consolar a los pacientes del hospital de Isenheim, enfermos de peste en su mayoría, ya que Jesús aparece cubierto de llagas, enfermo como ellos, dando a entender que el Mesías entendía y compartía sus aflicciones.

La obra de Grünewald, que fue realizada hacia el 1512-1515, combina la imaginería religiosa del gótico con los avances técnicos del Renacimiento, pero su voluntad de provocar al espectador es producto de una época anterior y menos racional.

Por otro lado está el Cristo noble, sereno, que transmite calma e invita a la meditación. En este caso tiene cuatro clavos, dándole mayor estabilidad. De este tipo, la crucifixión más conocida es el Cristo crucificado de Velázquez, realizado hacia el 1632. El pintor ha realizado aquí un estudio realista convincente del cuerpo humano, aunque con algunos trazos de una cualidad escultural más monumental que lo eleva a un plano superior. La composición es sencilla, pero no por eso menos dramática. El cuerpo blanco del Cristo contrasta fuertemente con un fondo oscuro y liso al más puro estilo de Caravaggio. Velázquez se centró en la representación del tema, buscando la concentración y la soledad.